Elmer Bischoff, Orange sweater, 1955Mittwoch, 10. April 2019
Samstag, 6. April 2019
Der erste und der letzte Moderne.
Von den Anschuldigungen glaube ich heute so wenig wie vor einem Vierteljahrhundert. Aber eins ist klar - sein Verhältnis zu Kindern fiel wie seine eigene Kindheit ganz aus dem Rahmen.
Allgemein gesprochen, zum Genie wird keiner ohne Not.
Donnerstag, 4. April 2019
Neue Sachlichkeit und Neues Sehen bei Bucerius in Hamburg.
aus Tagesspiegel.de, Carl Grossberg Der gelbe Kessel 1933
Rückkehr zur Stofflichkeit der Dinge
„Welt im Umbruch“: Eine Ausstellung im Hamburger Bucerius Kunst Forum vergleicht neusachliche Malerei und Fotografie der 20er Jahre.
von
Die Fernsehserie „Babylon Berlin“ hat neuerlich den Blick auf die bewegten 1920er Jahre geöffnet. In der Ausstellung „Welt im Umbruch“ im Hamburger Bucerius Kunst Forum lässt sich jetzt die Sicht auf die kurze Epoche zwischen den beiden Weltkriegen reizvoll intensivieren.
Die Gegenüberstellung rückt einen Stil in den Mittelpunkt, der mit realitäts- und alltagsnaher, nüchterner Darstellungsweise zur führenden Kunstrichtung der Weimarer Republik avancierte. Zu sehen sind Werke von Malerlegenden wie Otto Dix, Christian Schad, Conrad Felixmüller und Hannah Höch, dazu die legendären Fotografen László Moholy-Nagy, Albert Renger-Patzsch, August Sander und Germaine Krull.
Dabei zeigen Stillleben, Bilder von Architektur, Industrie und Technik bis zur politischen Montage, dass in den 1920er Jahren plötzlich alles wert war, gemalt und fotografiert zu werden – Maschinen, Gebäude, ein einzelner Kaktus, Wassergläser, ja selbst ein Putzeimer. Im Zentrum allerdings steht das figurative Interesse am Menschen: Hingucker in der Ausstellung sind die vielen Aktbilder und Selbstbildnisse, allen voran Christian Schads altmeisterlich gemalte, nackte 20er-Jahre-Schöne mit dem schwarzen Bubi-Kopf. Sie gilt als Sinnbild der selbstbewussten „Neuen Frau“, die wenig später auch Karl Hubbuch, Sasha Stone und Germaine Krull in Gemälden und Fotografien darstellten.
Eine zurückgenommene, fast emotionslose Wiedergabe
In der Aktmalerei dieser Zeit scheint die neusachliche Entzauberung des veränderten weiblichen Erscheinungsbildes deutlicher fortgeschritten: Realistische, unterkühlte Darstellung hat die Anmutung von Erotik und Verführungskunst gebrochen. Schads entblößte Geliebte wie auch Hubbuchs als hüllenloser Drilling variierte Ehefrau zeigen frei und selbstbewusst ihre nackten Körper, ohne Koketterie. Als zentrale Motive in der Fotografie fallen die Materialität der Haut und die Form des weiblichen Körpers auf. Das gilt besonders für Germaine Krull, die in ihren Aufnahmen auf kühne Weise die gleichgeschlechtliche Liebe zwischen Frauen thematisierte. Ganz anders die ungeschönten Gesichter vom Notar bis zum Bäcker in August Sanders Fotografien.
August Sander, Konditor, 1928
Den Bildern gemeinsam ist ihre zurückgenommene, fast emotionslose Wiedergabe. Für beide Sparten war es ein Neubeginn. Denn beide hatten sich zu diesem Zeitpunkt von ihrer Vorphase emanzipiert, die Malerei vom Expressionismus, die Fotografie vom Pictoralismus. Die Rückkehr der zwei Gattungen in den 1920er Jahren zum Gegenstand, zur Stofflichkeit der Dinge und zu höchster Präzision in der Darstellung führt zu einer nah verwandten Ästhetik von Malerei und Fotografie, die erstaunt.
Bis 19.5., Bucerius Kunst Forum, Hamburg
aus welt.de, 8. 2. 1219
„Welt im Umbruch“
Was hat das Neue Sehen in der Fotografie mit der Neuen Sachlichkeit in
der Malerei zu tun? Die Schau „Welt im Umbruch. Kunst der 20er Jahre“ im
Hamburger Bucerius Kunst Forum gibt erste Antworten.
Wie ein König, der Zepter und Reichsapfel zum Zeichen der Macht trägt, hält Otto Dix auf einem Selbstbildnis von 1931 Palette und Pinsel als Insignien seines Künstlertums in den Händen. Sein Blick scheint einen Gegenstand außerhalb des Bildraumes zu fixieren, während die Hand sich in Richtung Leinwand bewegt. Dort ist noch kein Gemälde entstanden, doch was Dix kann, hat er mit dem Porträt bereits bewiesen: Im Stil der Alten Meister und in traditioneller Öllasurtechnik gab der deutsche Maler alle im Bild vorkommenden Oberflächen, etwa Glas, Holz und Stoff, wirklichkeitsgetreu wieder.
Otto Dix, Selbstbildnis 1931
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Doch die Verankerung in der malerischen Tradition Europas ist nur ein Charakteristikum von Dix‘ Malerei. Im Werk des Künstlers, der sich nach dem Ersten Weltkrieg vom Expressionismus ab- und der Neuen Sachlichkeit zuwandte, sind zugleich die typischen Merkmale zu finden, die auch die Fotografie seiner Zeit ausgemacht hat – darunter Prägnanz, Klarheit, Präzision und Objektivität.
Maler arbeiten mit Fotografen zusammen
Mit dem Porträtfotografen Hugo Erfurth, einem Vertreter des Neuen Sehens, arbeitete Dix viele Jahre lang zusammen. Die Anregungen waren gegenseitig. Was die Künstler erprobten, etwa die Reduktion der Bildelemente, ungewohnte Ausschnitte oder neuartige Lichtregie, übertrugen sie von einem Medium ins andere.
László Moholy-Nagy, Militarismus, Kollage 1929
„Die Maler und Fotografen der Zwischenkriegszeit griffen die selben Bildsujets auf und visualisierten ihre Vorstellungen in einer vergleichbaren Bildsprache“, erklärt Ulrich Pohlmann vom Münchner Stadtmuseum. Mit der bisher noch nie untersuchten Wechselbeziehung zwischen der Neuen Sachlichkeit in der Malerei und dem Neuen Sehen in der Fotografie beschäftigt sich jetzt die Ausstellung „Welt im Umbruch. Kunst der 20er Jahre“ im Bucerius Kunst Forum, die von Pohlmann und der Forumskuratorin Kathrin Baumstark konzipiert wurde.
Exponate aus der Zeit von 1918 bis 1936
Die rund 180 ausgestellten Fotografien, Gemälde, Zeichnungen und Grafiken stammen ausschließlich von Künstlern, die zwischen 1918 und 1936 in Deutschland gewirkt haben. Das Land erlebte mit der Weimarer Republik eine Epoche der Gegensätze – Euphorie und Zukunftsangst, Technikbegeisterung und -kritik, Großstädte im Rausch der „Roaring Twenties“ und Arbeitslosigkeit, Modernestreben und rechtsextreme Rückwärtsgewandtheit.
Beide, die Kunst und die Fotografie, hatten einen Emanzipationsprozess hinter sich: Die Kunst schloss mit der expressionistischen Subjektivität ab, die Fotografie trat aus dem Schatten der Malerei, der sie zuvor als Piktorialismus gehuldigt hatte. Vereint bemühten sich beide Darstellungsformen nun darum, in der labilen Gesellschaft durch Gegenständlichkeit, Wirklichkeitsnähe, Illusionslosigkeit und sachliche Klarheit stabilisierend zu wirken.
„Die Dynamisierung der Perspektive“
Um den Tatsachen nah zu kommen, wagten Künstler und Fotografen laut Pohlmann etwas absolut Neues: „Die Dynamisierung der Perspektive“. Wie sich dieser neue Blick zusammen mit den anderen neusachlichen Merkmalen ausnahm, offenbart die Schau in sieben Kapiteln. Der Rundgang beginnt im Untergeschoss mit den Stillleben. Banale, alltägliche Gegenstände wie Haushaltsgeräte werden nüchtern erfasst, isoliert abgebildet und in ihrer Textur genau untersucht.
Herausragend sind dabei die Fotografien von Albert Renger-Patzsch. Aus verschiedenen Blickwinkeln richtete er das nüchterne Auge seiner Kamera zum Beispiel auf Pflanzen oder Glasgefäße. Gemälde wie Hannah Höchs „Gläser“ oder das „Frühstücksstillleben“ von Bernhard Dörries greifen die analysierende Sichtweise auf. Weil die Maler sich unter Anwendung der Lasurtechnik intensiv mit der Stofflichkeit der Materialien befassten, wirken die Gläser und Teller fast greifbar.
Akte und Selbstbildnisse
Im Zentrum des Oktogons hängt eine Auswahl neusachlicher Akte.Von Karl Hubbuch stammt das großformatige Gemälde „Die Drillinge“: Da der Maler verschiedenen Wesenszüge seiner Frau untersuchen wollte, bildete er sie gleich dreimal auf der selben Leinwand ab. Gegenüber beeindruckt der „Halbakt“ von Christian Schad. Das Gesicht der posierenden jungen Frau unter dem Kurzhaarschnitt ist entspannt, die nackte Haut leuchtet zart und rosig, ohne entblößt zu wirken. Hier geht es um das Selbstbewusstsein der Neuen Frau, nicht um Verführungskunst oder Erotik, Natürlichkeit und Echtheit wurden zum Bildthema.
Neben den Akten sind die Selbstbildnisse zu sehen, allen voran Porträts von Dix und Erfurth. Gerade in diesem Genre bot das Neue Sehen Raum für Experimente. So erforschten die Fotografen alle Möglichkeiten ihrer Kamera und reflektierten das eigene Selbstverständnis. Otto Umbehr schoss, auf dem Boden liegend, mit ausgestrecktem Arm ein Selfie, während Germaine Krull, vor einem Spiegel stehend, ihr Gesicht komplett hinter dem Fotoapparat versteckte.
Technikfaszination als Motor der Sujetwahl
Unorthodoxe Ansichten wählten auch die Fotografen, die sich mit der Architektur der Weimarer Republik befassten. Der Kölner Werner Mantz zum Beispiel nahm sich die sozialreformerisch gedachten Siedlungen des Neuen Bauens vor, wobei er stets Ausschnitte wählte, den Rhythmus der baulichen Elemente betonte und Schatten spannungsvoll einsetzte. Ein Sonderbereich der Architektur waren Industrieanlagen.
Reinhold Nägele, Weißenhofsiedlung Stuttgart bei Nacht, 1928 Viele Künstler und Fotografen thematisierten in ihren Werken die Technikfaszination der Epoche und stellten Produktionsstätten von innen und außen dar. Carl Grossberg malte auf nüchterne Weise ein Gewirr aus weißen und metallisch glänzenden Röhren sowie ein Schwungrad mit Treibriemen. Auch Renger-Patzsch ist wieder vertreten: Die Isolatoren, die er ohne schmückendes Beiwerk im Detail aufnahm, sind ebenso prägnant wie seine Glasgefäße.
Prominente im fotografischen Porträt
Im Obergeschoss des Bucerius Kunst Forums, das im Juni umzieht und mit dieser Schau zum letzten Mal die alten Räume bespielt, sind Individualporträts und Typenbildnisse zu sehen. Das Allgemeine zeigt sich hier im Besonderen, der zeittypische Mensch der Weimarer Republik tritt im Einzelbildnis zutage. In einem Kabinett hängen einige von August Sanders „Menschen des 20. Jahrhunderts“, darunter ein Notar, ein Konditor und drei Jungbauern. Weitere Porträts zeigen Intellektuelle und Künstler – etwa Klaus und Erika Mann von Lotte Jacobi – sowie arbeitslose Arbeiter und Prostituierte.
Ein großartiges Porträt von Conrad Felixmüller stellt einen ausgemergelten Jüngling vor, der die „Arbeiter-Illustrierte-Zeitung“ feilhält. Ganz hinten hängen zwei Werke der nationalsozialistischen Fotografin Erna Lendvai-Dircksen von 1932, die in ihren Modellen typische „Arier“ sah – auch sie gehören zum komplexen Gesicht der Zwischenkriegszeit.
Conrad Felixmüller, Zeitungsjunge
Nota. - Der Weg der Kunst führt, seit sie nicht mehr eine handwerkliche Zunft unter anderen, sondern etwas Besonderes sein wollte, nämlich seit der Renaissance, fort von den weltlichen oder geistlichen Themen hin zur reinen Ästhetik, hin zum bloßen - schönen oder 'erhabenen' - Schein. Es konnte nicht ausbleiben, dass die Bewegung als eine weg von den Gegenständen aufgefasst wurde. Die ungegenständliche Malerei erwies sich schnell als eine Sackgasse, sie trat bald auf der Stelle und verlor sich im Dekorativen.
Zurück zu den Anfängen? Mindestens zurück zu "den Sachen". Neue Sachlichkeit ist mehr eine Programm- losung als eine ästhetischen Richtung. Corad Felixmüller und Otto Dix hatten der Abstraktion nie gehuldigt und haben ihre expressionistische Herkunft auch nie verleugnen mögen. Otto Schlemmer, der oben gar keine Erwähnung findet, kehrt halbherzig zum Kubismus zurück, aber wirklich heimisch ist keiner der Maler in der neu-alten Richtung geworden. Malen wie in der Renaissance? Chirico hat einen längeren Abstecher versucht, aber froh ist er damit auch nicht geworden und hat sich schließlich selbst plagiiert. Immerhin ist ihnen eingefallen, wenigstens die Perspektive, jenes Schlachtross der Renaissance, zu dynamisieren, aber auch nur ein bisschen, jedenfalls nicht mehr als Tintoretto.
Neue Sachlichkeit war eine Verlegenheitslösung, die ohne den braunen Feldzug gegen die Entarteten vielleicht ganz in Vergessenheit geraten wäre.
Interessant ist nämlich, dass es fast gleichzeitig in Nordamerika, wo die Abtraktion noch gar nicht gelandet war, im Precisionism eine Parallelbewegung gab, die nicht ein geschmacklicher Pendelausschlag war, sondern eine originäre ästhetische Strömung. Der inzwischen in Europa bewunderte Edward Hopper gehört ebenso dazu wie die noch bis vor kurzem tätige Georgia O'Keefe und - Andrew Wyeth!
Und wenn wir schon bei der Familie Wyeth sind, darf Winslow Homer nicht übergangen werden. Und muss der große Einfluss erwähnt werden, den Reklame und Gebrauchsgraphik in Amerika anders als in Europa von Anfang an auf die bildende Kunst gehabt haben. Man möchte meinen, dass das Bedürfnis nach einer rein ästhetischen Kunst dort noch gar nicht aufgekommen ist. Dann beurteilt man vielleicht auf Jeff Koons und Damien Hirst nachsichtiger; und versteht Cy Twombly besser.
JE
Sonntag, 31. März 2019
Kosmos Kubismus im Kunstmuseum Basel.
Kosmos Kubismus im Kunstmuseum Basel
Keine andere Kunstrichtung hat die Malerei je mehr revolutioniert als der Kubismus. Die ganze Strahlkraft dieses künstlerischen Quantensprungs wird jetzt – parallel zur Picasso-Ausstellung in Riehen – im Basler Kunstmuseum spürbar.
Von Annette Mahro
Mit alten Gewohnheiten wurde in der Kunst immer wieder gebrochen. Waren da eben noch die Impressionisten und der Vater der Moderne, Paul Cézanne, auf den sich auch Pablo Picasso und Georges Braque beriefen, so gingen diese beiden Mittzwanziger ab 1907 einen radikalen Schritt weiter. Die beiden Künstler, die den neuen Stil so intensiv Hand in Hand entwickelten, dass sich viele ihrer Arbeiten kaum auseinanderhalten lassen, warfen alles über Bord, was sie an Traditionellem für verzichtbar hielten, und ebneten einer völlig neuen Kunstauffassung den Weg.
Die Ausstellung "Kosmos Kubismus. Von Picasso bis Léger", eine Kooperation des Basler Kunstmuseums mit dem Pariser Centre Pompidou und zusätzlich maßgeblich unterstützt durch das dortige Musée Picasso, versammelt 130 Werke, die vornehmlich aus der Zeit von 1908 bis 1918 stammen. Sie vollzieht den Weg der beiden Hauptakteure nach und nimmt anhand von Beispielen unter anderem von Fernand Léger, Juan Gris, Francis Picabia, Henri Le Fauconnier oder Sonia und Robert Delaunay zusätzlich diejenigen in den Blick, die den ihnen zugespielten Ball aufgenommen haben.
Zwar können die Basler aus dem Vollen schöpfen, zählt der Kubismus dank einer bedeutenden Schenkung des Mäzens Raoul La Roche doch seit den 1960er Jahren zu den tragenden Säulen des Kunstmuseums. Gleichwohl ist die Ausstellung, die jetzt im zweiten Stock des Neubaus gezeigt wird, seit Paris von einst 330 Werken merklich geschrumpft. Die Konzentration auf sichtbare Bezüge der Exponate untereinander oder auf Inkunabeln, zu denen etwa die erste Collage der Kunstgeschichte, Picassos "Stillleben mit Rohrstuhlgeflecht" von 1912 zählt, gerät ihr aber nicht zum Nachteil.
Die Basler Kuratorin Eva Reifert kann denn auch ihre Begeisterung vor einer ganzen Reihe von richtungsweisenden Werken kaum zügeln. Da wären neben der schon erwähnten Collage und der ersten kubistischen Skulptur "Frauenkopf (Fernande)", die Picasso 1909 in Paris modellierte, auch seine Bronzegüsse von Absinthgläsern mit echtem Löffel von 1914. Wird hier doch ein Alltagsgegenstand zum Kunstobjekt, dieser gleichzeitig aber noch einmal spielerisch neu geformt, in Bronze gegossen, bemalt und schließlich durch eine echte Zutat, den Blechlöffel, ergänzt. Da hatte einer ganz offensichtlich gar keine Ehrfurcht mehr vor dem traditionellen Kunstbegriff – und viele sind ihm gefolgt.
Braque, 1931
Die Ausstellung ist teils chronologisch, teils thematisch aufgebaut. Sie beginnt mit dem Einfluss der iberischen und afrikanischen Skulptur, der etwa 1907 bei Picassos "Les Demoiselles d’Avignon" sichtbar wird, aber auch schon 1906 bei seinem Bildnis der Gertrude Stein. Das Werk, das das New Yorker Metropolitan Museum of Art erstmals seit 40 Jahren wieder ausgeliehen hat, ist ein weiteres Highlight. Hier zeichnet sich bereits ab, dass nicht mehr die objektive Darstellung im Vordergrund steht, sondern das tiefe Eintauchen in den Bildgegenstand. Die Schriftstellerin wirkt ohne typisches Attribut, dafür aber versehen mit dem typischen "Picasso-Auge" sinnierend für sich selbst.
Später werden die Figuren und Motive zerlegt, verschiedene Ansichten zu einem Ganzen kombiniert. Daniel-Henry Kahnweiler, der legendäre Galerist der Kubisten, hat die Begriffe des analytischen (ab etwa 1910) und synthetischen Kubismus (ab 1912/1913) geprägt. Hatten Picasso und Braque damit begonnen, die Fläche zu facettieren, begannen sie bald, die geschlossene Form der Figur aufzubrechen, was an den Rand der Abstraktion rührte. Ab 1911 wurden unter anderem Zahlen und Buchstaben eingefügt, die für den Betrachter ein "Entziffern" zuließen.
Auch neue Materialien kamen hinzu und damit neue Anekdoten. Da wäre etwa Georges Braques Entdeckung einer Tapete mit Holzmuster, die er zerschnitt, um Teile daraus in seine Werke einzukleben – eine Idee, die Picasso umgehend kopierte. Bald kamen Zeitungsausschnitte und schließlich ganze Seiten zum Einsatz, Musikinstrumente holten, etwa mit dem stilisierten Klangloch einer Gitarre, den Klang ins Bild. Verschmitzt drehten die Kubisten das Rad aber auch wieder zurück, indem sie das vorher Eingeklebte, wie etwa die Holzimitation, in doppelter Täuschung wieder in Öl ins Bild hineinmalten.
Es war dennoch nicht allein die Kunst, die das neue Zeitalter einläutete. Umgekehrt brach der technische Fortschritt auch in die Bildwelt ein, was die Ausstellung jetzt exemplarisch etwa an zwei Arbeiten der beiden Delaunays zeigt. So greift etwa Sonia in ihren Prismenbildern die Einführung der elektrischen Straßenbeleuchtung auf. Robert malt eine Hommage an den Luftfahrtpionier Louis Blériot, der 1909 als Erster den Ärmelkanal überflog. Für Fernand Léger, der als Franzose anders als der Spanier Picasso in den Krieg ziehen musste, spiegelte sich im Kubismus aber auch die neue zerstörerische Fragmentierung der Welt. Hätte sich das nicht Vorstellbare, etwa ein auf dem Schlachtfeld in vier Teile zerrissener Mensch, ansonsten doch jeder Darstellbarkeit entzogen.
Picasso, Mädchen mit Reifen, 1919
Nota. - Geburtsstunde einer Moderne der abwegigen Art: Zum erstenmal in der Geschichte wurde ein neuer Malstil buchstäblich an der Haaren herbei gezogen. Dass ihn viele neugierig ausprobierten, als er einmal in der Welt war, ist verständlich und waren die Künstler sich schuldig. Das entschuldigt nicht die, die ihn vom Zaun gebrochen haben. Braque kam von den Fauves her, für den waren die Kuben eine disziplinierende Übung, und die war fällig. Aber der geschäftstüchtige Picasso war schon ständig auf der Sucher nach einer neuen Masche, ästhetische Maßstäbe hatte er nicht, und während seine blauen und rosa Nettigkeiten ihm das Wohlwollen der Pariser Käufer eingetragen hatte, konnte er sich mit diesem letzten Schrei auch noch den Ruf eines künstlerischren Neuerers erwerben.
Natürlich hat die Masche nicht lang gehalten. Während Braque zur Farbe und zur Linie zurückkehrt und und vor einer dekorativen, malerischen Darstellungweise nicht zurückschreckt, setzt Picasso seine lukrative Manierenzockerei aufs Erfolgreichste fort und macht sich zum Genie der Moderne.
JE
Picasso, Frau mit Hut 1939PS. Ein Tipp an Frau Mahro: Quantensprung bedeutet nicht, was sie meint.
JE
Samstag, 30. März 2019
Joaquín Sorolla in London.
Meister des Lichts
Die National Gallery London widmet dem erfolgreichen spanischen
Salonmaler Joaquín Sorolla eine Ausstellung. Sie gerät so kulinarisch
wie die Malerei um 1900.
Im Jahr 1908 pries die Londoner Kunsthandlung Grafton eine Ausstellung unter der Schirmherrschaft des spanischen Königspaares als eine des „größten lebenden Malers der Welt“ an. Mag das bloße Reklame gewesen sei, so bestand doch Einigkeit darüber, dass der Spanier Joaquin Sorolla (1863-1923) zu den führenden zeitgenössischen Künstlern zählte. Als Sorolla im Jahr darauf in New York gastierte, zählte seine Ausstellung 160 000 Besucher, und sage und schreibe 195 Werke wurden verkauft.
110 Jahre später muss man den Namen buchstabieren. In Spanien kennt man ihn, doch auch dort als historische Größe, nicht mehr als ästhetischer Maßstab. Sorolla malte in jenem opulenten Stil, der sich aus Impressionismus und Akademie gleichermaßen speiste und um und nach 1900 in vielerlei Abstufungen in allen westlichen Ländern gepflegt wurde. Deutscherseits könnte man an Max Liebermann denken; näher noch stehen Sorolla der amerikanische, in Europa lebende Gesellschaftsmaler John Singer Sargent sowie dessen enger Freund, der Schwede Anders Zorn. Zorn malte seinerseits amerikanische Größen wie den 27. US-Präsidenten Howard Taft – der wiederum auch Sorolla Modell saß.
Um in diese gehobene Sphäre vorzudringen und mit seiner Malerei regelrecht reich zu werden, bedurfte es einer sehr zielgerichteten Karriere. Es bedurfte einer ganzen Reihe von Gemälden, die Sensation machten und den Namen des Künstlers in die Welt hinaustrugen. Davon kündet die Retrospektive, die die Londoner National Gallery dem Spanier jetzt unter dem Titel „Der spanische Meister des Lichts“ ausrichtet – der ersten Ausstellung in London seit 1908.
Großformate zu gesellschaftlichen Themen
Man kann es einerseits mutig nennen, dass ein auf die Spitzenleistungen der abendländischen Malerei abonniertes Haus wie die National Gallery einen in die Geschichtsbücher abgesunkenen Künstler so herausstellt. Man kann andererseits darauf hinweisen, dass der Museumsdirektor, der ungeachtet seines italienischen Namens gebürtige Brite Gabriele Finaldi, seit jeher ein Bewunderer alles Spanischen ist und einige Jahre am Madrider Prado gewirkt hat, bevor er 2015 den Londoner Chefposten übernahm. Jedenfalls reiste die spanische Königin Letizia eigens zur Eröffnung an, bei welcher Gelegenheit sich auch Prinz Charles zeigte, der als Schirmherr der National Gallery eine Position einnimmt wie weiland Kaiser Friedrich über die Berliner Museen.
Das war natürlich allerbeste Reklame für eine Ausstellung, von der die englischen Massenmedien sonst nicht gleichermaßen Notiz genommen hätten. Doch was bleibt nach dem königlichen Auftritt? Nun, Sorolla steht stellvertretend für jene breite Strömung der Kunst um 1900, die ein bürgerliches Publikum sowohl mit gekonnter Malerei als auch mit teils gefälligen, teils anstößigen Themen versorgte. Sorolla wurde mit Großformaten zu gesellschaftlichen Themen berühmt. Seine umfangreiche spätere Produktion bestand dann vorwiegend in heiteren Szenen mit weißgekleideten Damen am Strand oder in üppiger Natur. Sorolla malte anfangs eine Kindesmörderin auf dem Weg zum Gericht; eine Gruppe körperbehinderter Jungen, die von den Anstaltspatres zum Baden im Meer begleitet werden; die harte Arbeit der Fischer seiner Heimatstadt Valencia.
Inspiriert von Velázquez
Zumal diese „Rückkehr vom Fischfang“ [s. o.] ist eine kompositorische Meisterleistung, zudem von malerischer Delikatesse in der Wiedergabe von Licht und Reflexen – etwas, wofür Sorolla zeitlebens berühmt war. Das drei auf vier Meter messende Bild wurde beim Pariser Salon von 1895 mit einer Goldmedaille bedacht und daraufhin vom französischen Staat angekauft.
Das eher heitere Großformat der „Segelmacherinnen“ hingegen, eine Etude von Weiß in Weiß, wurde anfangs gerade wegen seiner Problemlosigkeit kritisiert, machte dann aber bei der Biennale von Venedig 1905 Eindruck und wurde von der Stadt für ihr Museum der Moderne im Ca’Pesaro erworben.
Fortan war Sorolla als Portraitist gesucht. So malte er unter Bezugnahme auf Velázquez den ersten spanischen Nobelpreisträger von 1904, José Echegaray. Seine drei Kinder stellte er in einem Großformat dar, das von vorneherein für Ausstellungstourneen gedacht war und dem Künstler die gewünschte Anerkennung wie die entsprechenden Aufträge eintrug.
In diesem Kinderbildnis kommt er dem gleichaltrigen Sargent malerisch ganz nahe, und das Londoner Publikum versteht einen entsprechenden Hinweis, bewahrt doch die Tate Gallery ein vergleichbares Gemälde des amerikanischen Ex-Pats. Sodann malte Sorolla immer wieder Strandszenen; manche, wie „Der junge Fischer“ von 1904, mit leisem sozialkritischen Touch: Denn während der Fischerjunge seinen Fang an den Strand trägt, baden im Hintergrund die Abkömmlinge eben jener leisure class, die doch Sorollas Bilder so sehr schätzte.
Eine gute Gelegenheit, über den Wechsel von Ästhetik nachzudenken
Es ist schwer zu sagen, warum genau der Stern dieser Malerei sank. Der Verweis auf Sorollas Landsmann Picasso hilft nicht weiter, auch wenn der Siegeszug des Kubismus ab 1910 mit dem Niedergang der Bravura-Malerei von Sorolla & Co. einhergeht. Denn natürlich gingen die Sammler des älteren Spaniers nicht mit fliegenden Fahnen zum jüngeren über.
Eher muss man den (Ersten) Weltkrieg nennen, der die Welt der Bourgeoisie, in der Sorolla in jeder Hinsicht angekommen war, so nachhaltig erschütterte, dass sie danach an Opulenz und deren Zurschaustellung keine rechte Freude mehr fand. Insofern ist die Londoner Ausstellung, über deren Erfolg man sich in Anbetracht der Beliebtheit des Hauses keine Gedanken machen muss, eine gute Gelegenheit, um über den Wechsel ästhetischer Vorlieben, den Wechsel des Geschmacks nachzudenken. Wäre dies jedoch die Absicht des hispanophilen Direktors gewesen, es hätte eine ganz andere und womöglich spannendere als diese denn doch eher kulinarische Ausstellung ergeben können – und müssen.
London, National Gallery, Trafalgar Square, bis 7. Juli. Katalog 25 GBP. – Mehr unter www.nationalgallery.org.uk
Nota. - Ein Kunstkritiker hat seine eigenen Gründe, eine Ausstellung zu besuchen, und wärs nicht sein Beruf, unterließe er es manchmal vielleicht. Unter den Ausstellungsbesuchern gibt es sicher manche, die nur hingehen, um schöne Bilder zu sehen. Das ist ja kein schlechter Grund. Will der Rezensent andeuten, in London habe man zu sehr an letztere gedacht und zu wenig an ihn?
Wenn alle gezeigten Bilder von der Art waren, die Bernhard Schulz erwähnt, dann hat er wohl recht. Die bei den Zeitgenossen erfolgreichsten werden wohl die gefälligsten gewesen sein, und denen sieht man seine akademische Herkunft an. Seinen ästhetischen Übertritt zu den Impressionisten hätten sie etwas deutlicher zeigen können, wenn sie, wie ich, mehr auf die Landschaften geschaut hätten. Sehen Sie selbst:
Donnerstag, 28. März 2019
The 2019 Jackson-Chase.
David LaChapelle, St. Michael...ich müsse doch endlich auch was sagen zur Jackson-Hype dieser Tage!
Muss ich nicht. Das ist nur ein lauer Aufguss, kein Vergleich mit der Monsterkampagne von 1992/93. Ich habe damals ein ganzes Buch geschrieben, da steht alles drin. Ich werd mich nicht wiederholen.
Das war doch klar, dass die Sache immer wieder mal aufgewärmt werden würde, man kann ja Geld damit verdienen. Übrigens auch SONY und der Jackson Family Trust. Als monstre sacré bleibt er ewig frisch und Größter Star Aller Zeiten.
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